Erst in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts entstanden die Möglichkeiten, Kunstwerke zu schaffen, die mit lokalen Traditionen in Verbindung stehen. Der karibisch-spezifische Modernismus (Modernismo) gewann an Anerkennung. Es folgten die Tendenzen, die die Ideen des Dadaismus (postumismo) und des Impressionismus (costumbrismo) fortsetzten und weiterentwickelten.
Die amerikanische Besatzung (1916 - 1924) und die Diktatur von Rafael Trujillo (1930 - 1961) setzten jedoch den Versuchen einer unabhängigen kulturellen Entwicklung ein Ende. Die zeitgenössische Kunst der Dominikanischen Republik, die sich als Teil der internationalen Kunstarena entwickelt, setzt die Traditionen des Kubismus, des Expressionismus und der Abstraktion fort. Neben Luis Munoz, der zentralen Figur dieses Artikels, wurden auch Maler wie D. Suro, Ch. Colson und J. Hernandez Ortega in der ganzen Welt populär.
Nach einer klassischen Ausbildung verließ Luis Munoz die Nationale Kunstakademie (Belles Artes), die 1942 zur Zeit Trujillos (der 1961 von seinen eigenen Leuten getötet wurde) gegründet wurde; 1995 setzte er seine Studien an der Akademie Circulo de Bellas Artes fort, die in Europa für ihre progressiven Ideen bekannt ist.
Das Faszinierendste an den Werken von Luis Muñoz sind die plastischen und koloristischen Verwandlungen, die seine Figuren erfahren haben. In der zeitgenössischen Kunst werden sehr unterschiedliche Haltungen zum menschlichen Körper angewendet. Die Bandbreite ist hier recht groß. Einerseits kann man hier einen Fotorealismus sehen, der durch das historische Gedächtnis vermittelt wird: die Figur ist durchaus erkennbar und ist dabei, in der Vorstellung des Zuschauers unter seinem absichtlichen Blick zu verschwinden.
In diesem Fall werden die Details der Erscheinung und der Umgebung auf ihre Authentizität hin überprüft...
So merkwürdig es scheinen mag, der andere Pol der Charakterdarstellung durch Luis ist die Abstraktion, die erst am Ende des Weges der imaginären Gegenverkörperung zu einer Ansammlung relativer Formen wird. Ein aufmerksames Auge, das mit der Entwicklung der Kunst der Abstraktionsklassiker vertraut ist, wird immer gewisse Ähnlichkeiten und Spuren bemerken.
Was Luis' Anthropologie unterscheidet, ist die aktive Farbe seiner Kompositionen, die Farbe, die ein Eigenleben zu führen scheint und das Schicksal jedes Bildes bestimmt. Ja, man kann das Sujet sehen oder erraten, ja - man kann immer eine bestimmte Szenografie nachzeichnen, aber der endgültige Eindruck wird immer noch von der Intensität der koloristischen Erfahrung abhängen, die Luis' Kunst beim Betrachter hervorruft. In dieser Hinsicht ist die Mitte der 90er Jahre entstandene Serie mit dem Titel "Akustische Körper" recht typisch. Diese Serie dient als wunderbare Illustration einer so grundlegenden Vorstellung von Delez' und Guattaris Philosophie als "der Körper frei von Organen", die in ihrem klassischen Werk "Anti-Ödipus" definiert wird. Die Autoren sagen, dass "der organfreie Körper seine gleitende, dunkle Oberfläche den Teilen der Maschinen entgegensetzt ... sie setzen Seufzer und Schreie phonetischen Klängen entgegen". Es ist unglaublich, aber diese Formel kann als Beschreibung für die Leinwand mit dem Namen "Akustische Körper - sitzend" von Luis, 1994-95, dienen. "Die Dame der Musik", 1996, folgt diesem Trend. Die Extraktion von Klängen als Funktion, als Aktivität, wird von einem bestimmten flackernden Körper ausgeführt, der intensiv pulsiert. Es ist die Kontemplation dieses Körpers, die in der Phantasie des Zuschauers "Klänge der Musik" erzeugt.
In Luis' späteren Werken erhalten die von ihm dargestellten Körper die Eigenschaften von Charakteren, die manchmal relativ, wie "Die Ikone der Sonne und des Meeres" 2006-07, und manchmal ganz traditionell, wie "Die Dame und die Katze" 2005 oder "Kuss - Leidenschaft" 2005, sind.
Wenn man sich die Werke von Luis Muñoz aufmerksam anschaut und offensichtlich seine Hand darin sieht, wird deutlich, dass dies eine wunderbare Illustration des Standpunktes ist, der besagt, dass Kunst nur dann Kunst bleiben kann, wenn sie ihre Fähigkeit entwickelt, sich der Verschmelzung mit den Elementen der Kulturindustrie zu widersetzen, d.h. sie zu durchdringen, ohne ihre Identität zu verlieren. "Wenn die Kunst diese Fähigkeit verliert, hört sie auf, Kunst zu sein" (John Roberts).
Der grundlegende Charakter der Kunst von Luis Muñoz kann als Beweis für die These dienen, dass es die Malerei ist, die den historischen Prototyp der bildenden Kunst darstellt. Ein Gemälde ist eine Art Ziegelstein, der das gesamte harmonische Gebäude der Kunst bildet, oder, wie Clement Grinberg sagt, "die treibende Kraft der Kunst". Das Prinzip eines Gemäldes bleibt das gleiche, egal wie sehr sich die physischen Medien verändern. Selbst die Videodokumentation der Performance basiert auf der Protoform eines Gemäldes. Der Piktorialismus ist also eine solche Darstellungsform, die mit einem Gemälde korreliert werden kann. Damit verbunden ist auch die Rolle des Künstlers in der modernen Kunst: Neben der Darstellung seiner relevanten ästhetischen Botschaft impliziert seine professionelle Aufgabe die Schaffung des visuellen Ikonographiesystems, das den Mechanismus der Rückverweisung des Betrachters auf die klassische Malerei beinhaltet. Nur dieser Mechanismus gewährleistet die Selbstidentität der Kunst in der Geschichte.
Die Gemälde von Luis Muñoz - als ein Symbol, das die Realitäten der Außenwelt widerspiegelt - beweisen die Existenz dieser Realitäten und demonstrieren die Authentizität der Dinge, die wir in der von Gott geschaffenen Welt sehen. Ein modernistisches Gemälde hingegen ist ein Symbol für die innere Realität eines Künstlers: diejenige, die sich als die einzig garantierte Realität herausstellt, weil - wenn wir Nietzsche glauben - Gott irgendwann stirbt. Da jede innere Realität persönlich ist, kann die Moderne nur "unkonventionelle" Dinge hervorbringen, die von einem intellektuellen Vermittler interpretiert werden. Die Bedeutung eines ästhetischen Aktes bewegt sich in das Feld der Interpretationen und Kommentare. Die demonstrative Einfachheit der künstlerischen Mittel wird durch raffinierte intellektuelle Bemühungen kompensiert.
Das Phänomen, das unsere Aufmerksamkeit auf die Kunst von Luis lenkt, ist die Schaffung einer solchen "visuellen Ikonographie", die einerseits die wichtigsten Ideen der modernen künstlerischen Kultur objektiviert und andererseits die traditionellen klassischen Prinzipien der Malerei an sich bewahrt und fortsetzt.
Joseph Backstein, Kommissarin, Moskauer Halbjährliche Zeitschrift für Zeitgenössische Kunst
